¿DE DÓNDE ERES? (4)


LONDON CALLING

 

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London calling, dos artistas diferentes que han encontrado en Londres un espacio vital para afirmarse sin olvidar su propia vivencia.

A menudo a la pregunta inicial ¿De dónde eres? se suma la pregunta, si posible más dramática, ¿Dónde puedes ir? un artista para salir de unas experiencias dolorosas y encontrar un lugar donde expresar líberamente su propio discurso artístico. Benjamin Clementine y Mona Hatoum, como tantos artistas, han elegido Londres enriqueciendo esta ciudad con su talento y energía creativa.

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Benjamin Clementine

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“La música es algo que sirve para acompañar a la personas” afirmó Benjamin Clementine (Londres, 1988) en una entrevista.
Y Clementine necesitaba compañía desde que se crió en el barrio de Edmonton, uno de los más desfavorecidos de la área metropolitana londinense, el pequeño de cincos hermanos de una familia pobre de descendencia guineana.
“La soledad siempre ha sido un impulsor de mi creación. Forma parte de mi vida”, afirma. Incomprendido en la escuela, más le afectaba serlo también entre las paredes de su hogar. Al introvertido Clementine le gustaba pasar horas encerrado en su habitación, devorando libros, incluido el diccionario, y, sobre todo, escuchando la radio. El pianista francés Erik Satie, pionero de la música minimalista, fue una de sus primeras influencias. Un día oyó cómo esas teclas parecían llorarle en su silencio y no se lo pudo quitar de la cabeza. “Tenía 11 años cuando comencé a tocar. Empecé con un pequeño y barato teclado eléctrico. Fue algo muy autodidacta. No tuve ningún entrenamiento duro ni nada parecido”. Cada día, a la vuelta del colegio, se metía en la habitación, encendía la radio y practicaba por su cuenta, de oído. “La soledad siempre ha sido un impulsor de mi creación. Forma parte de mi vida. De alguna forma, siempre me he sentido un marginado en casi todas partes”.

 

 

Sin plan preconcebido decidió presentarse en París cargado sólo con una mochila. No conocía a nadie ni le importaba. Durante semanas, alternó albergues de mala muerte con la calle para dormir, mientras pasaba las jornadas tocando en esquinas o en el metro. “El haber sido un sin techo te enseña a descubrir y valorar la sencillez de las cosas. Mis canciones hablan de los sentimientos, de la soledad y del malestar interno”. Esta experiencia le sirvió para añadir a su repertorio influencias francesas de fuerte carga teatral como Edith Piaf, Jacques Brel o Léo Ferré.
En una de esas actuaciones callejeras, algo fuera de lo común vio en él Matthieu Gazier, reputado productor de música electrónica en Francia, quien le ofreció grabar un EP y contratarle para una serie de conciertos en pequeños locales y hoteles de moda. El británico actuó en el programa de Jools Holland en la BBC e interpretó su canción “Cornestone”, un visceral lamento en el que su voz se rompe entre graves al más puro estilo Nina Simone. “Es un gran cumplido que me comparen con ella, pero no es algo a lo que preste atención”, apunta.

 

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Poco después, Virgin le fichó, regresó a Londres y grabó “At Least For Now” donde destaca un universo jazzístico trágico, primitivo y emocionante. “Intento que mi voz sea apreciada como un instrumento”, asegura. “Y, bueno, el piano es un buen elemento para captar la soledad”. Clementine, que ha conocido bien el lado de los más desfavorecidos, se confiesa, a pesar de todo, un hombre optimista: “Me rebelo con la música que compongo. Mi lucha y mi espacio vital están ahí”.

 

Mona Hatoum

 

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Mona Hatoum, nacida en Líbano en 1952 de padres de origen palestino, deja el país en 1975 para pasar una temporada en Londres justo cuando estalla la guerra del Líbano. Se quedará en la capital británica e iniciará sus estudios artísticos.
Alejada de su país natal, la artista se ha mostrado siempre sensible a la cuestión de la identidad, tanto palestina como artística. Su obra, multidisciplinar, incluye la escultura, el vídeo y la instalación. En sus piezas aborda temas como la vulnerabilidad del individuo frente a la violencia inherente a las estructuras institucionales, el papel de las mujeres en el Mundo Árabe, o el hogar, muchas veces visto como cárcel.
En un mundo que se mueve por contradicciones, tensiones geopolíticas y estéticas diversas, Hatoum nos ofrece una obra que alcanza una universalidad inigualable, una obra que se ha convertido en “modelo” para numerosos artistas contemporáneos. Esta artista británica de origen palestino es una de las representantes imprescindibles de la escena contemporánea internacional. Su obra se impone por la pertinencia de su visión, por la adecuación entre las formas y los materiales propuestos, por las múltiples disciplinas que abarca su trabajo y, finalmente, por su original y comprometida lectura de los movimientos de arte contemporáneo (performance, cinetismo, minimalismo).

 

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Al inicio de su carrera Hatoum fue una artista de la performance. Una forma de expresión que luego cayó en desuso, pero hoy ha recobrado nuevos bríos, renovado completamente. «La performance a finales de los setenta y principios de los ochenta no se parecía mucho a las de hoy. Las mías eran muy improvisadas, no eran teatrales. Se trataba más bien de un trabajo con el público para suscitar sus respuestas». En 1985 Hatoum realiza en las calles de Brixton, un barrio obrero y predominantemente negro situado a las afueras de Londres, dos performances dentro de una acción organizada por el también artista Stefan Szczelkun titulada Road Works, en la que se pretende crear una relación con una audiencia muy distinta de aquélla que solía visitar los museos o las galerías. En una de estas performance Hatoum, descalza, recorre las calles del barrio con un par de pesadas botas Doc Marten’s atadas a los tobillos. Sus pies aparecen desnudos e indefensos, frente a las poderosas botas tradicionalmente usadas por la policía o por los “cabezas rapadas”. La artista se presenta a sí misma como una persona marginal que cuestiona el sistema, intentando hacer evidente su violento funcionamiento estructural, en una acción en la que el mismo gesto de andar se convierte en dificultoso.

 

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«No Way», 1996                                                                      «No Way II», 1996

 

A finales de los ochenta Hatoum integra en sus propuestas otros tipos de medios como son las instalaciones y la escultura. Da además un giro a su obra, y aunque los temas siguen siendo los mismos, se tratan de una manera mucho más implícita, menos directa pasando de primar el contenido a primar el aspecto formal y estético de las obras. El cuerpo de la artista va progresivamente desapareciendo de sus obras, para ceder su importancia a la presencia de ese otro cuerpo que es el del espectador. Hatoum persigue del espectador una respuesta emocional, un cuestionamiento de su entorno, de su relación con los objetos y con el mundo. Por eso, construye obras dominadas por lo ambiguo, de cara a lograr una mayor disparidad de interpretaciones. Y todo con el fin de cuestionar la realidad y lo que nos rodea, el poder, las tradiciones… Así, muchas veces, nos presenta objetos que, a primera vista o desde lejos parecen atractivos pero una vez que te acercas te das cuenta de que en realidad provocan rechazo o incluso son peligrosos. Esto es lo que se pretende en “Doormat (Felpudo)”. Es una obra basada en un felpudo con la palabra “Welcome”. A lo lejos la superficie reluciente de la alfombra parece de terciopelo, pero al acercarnos nos damos cuenta de que está hecha de afilados pinchos de acero clavados sobre un bastidor y que apuntan hacia arriba. Lo mismo ocurre en “Incomunicado”, se trata de una cuna cuya base está hecha con finos alambres tensados, con lo que un objeto que se supone que provoca sentimientos de dulzura y ternura se transforma de repente en un instrumento de tortura.

 

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Paravent [Biombo], 2008. Acero; 215 x 302 x 5 cm.

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Una característica notable desde los inicios de su carrera ha sido la continua evolución de sus investigaciones acerca de la sutil pero intensa relación entre la estética, la ética y la política. Su obra nace principalmente de la vida cotidiana, libre de convenciones sobre lo que es público y privado o íntimo e institucional.
Hatoum concede gran importancia a los materiales, manipula los objetos domésticos y el cuerpo humano utilizando materiales diversos: industriales, naturales e incluso inmateriales, los escoge con gran precisión para desarrollar un concepto o contradecir la naturaleza de un objeto. Muchas veces, trabaja con materias propias del lugar donde se encuentra. «Yo voy coleccionando objetos y, de pronto, surgen cosas, relaciones. Una ambientación, una pieza», dice. «Suelo visitar mercadillos y tiendas de antigüedades. Son elementos aislados que de pronto, al juntarlos, cobran otro sentido».

 


Entre sus obras, destaca la instalación de vídeo “Corps étranger” (Cuerpo extraño, 1994). La obra fue concebida en 1980 pero Hatoum no pudo realizarla hasta 1994, cuando encontró el apoyo necesario en el Centre Georges Pompidou de París. El proyecto consistía en explorar el interior de su cuerpo con una cámara. La cámara era como un ojo científico que invadía las fronteras del cuerpo tanto por dentro como por fuera. “Tener una cámara invadiendo el interior de tu cuerpo es como ser observada hasta el centro mismo de tu ser”.

 

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Tres instalaciones diferentes donde Mona Hatoum utiliza la imagen de mapas.

 

Hatoum usa con frecuencia los mapas en sus piezas. «La primera vez que utilicé mapas fue en Jerusalén en 1996. Encontré el mapa del Acuerdo de Oslo entre Israel y Palestina, que se había firmado en 1993. Me pareció muy extraño porque se dibujaban pequeñas áreas, como lunares sin continuidad en un territorio. Se suponía que ese debía ser el mapa de la futura Palestina. Me pareció irónico porque se trataba más de dividir y de imponer reglas que de permitir a la gente que viva junta. Así es que dibujé ese mapa sobre un conjunto de jabones naturales de aceite de oliva, con bolitas de cristal mostrando esas áreas adjudicadas a los palestinos. Quise usar el jabón porque es un material que dura poco, que se disuelve».

 

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«Homebound». Instalacion en la Documenta de Kassel, 2002.

 

Otro de los temas más presentes en el trabajo de la artista es el del hogar. Estas obras generalmente tratan de cuestionar la noción idealizada del hogar y presentar un entorno que no se parece al refugio seguro y protector con el que normalmente se asocia dicha noción. En la instalación “Homebound” (Encerrada en casa), la artista dispuso sillas, jaulas, catres y ropas metálicas alrededor de una mesa con varios objetos domésticos, conectados a la corriente. En ambas instalaciones existía una valla de alambre que cumplía una doble función, por un lado evitaba que el público entrara en contacto con la corriente de 240 voltios que recorría todos los objetos de las instalaciones, pero también tiene un significado simbólico, un hogar convertido en cárcel, que expresa los sentimientos de las mujeres atrapadas en sus hogares por las responsabilidades y la violencia doméstica, o un hogar como patria de la que uno ha sido exiliado y a la que no puede volver a entrar.

 

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«Felpudo», 1996. Pinchos de acero sobre bastidor.

 

El humor siempre ha tenido una función importante en su trabajo. “Lo asocio a menudo con un toque de surrealismo para contradecir o desinflar algunos de los temas serios de mis primeros trabajos. Como en Roadworks, una performance de 1985, o en el cuadro titulado Over my dead body (1988), en el que el símbolo de la masculinidad se reducía a un juguete que representaba a un soldado pequeño. El humor también es evidente en esculturas como Jardin Public (1993), Untitled (wheelchair) (1998-99), T42 (gold) (1999). También está presente en las series de esculturas en que agrando, en proporciones surrealistas, utensilios de cocina inofensivos y los transformo en biombos o camas amenazantes. Me interesa el surrealismo porque lo concibo como una visualización de las contradicciones y las complejidades que nos habitan, una manera de hacer arte a partir de la realidad íntima, más que a partir de nuestro espíritu lógico. El concepto de lo extraño, o el de la cosa familiar que se vuelve inquietante —o incluso amenazante—, porque está asociado a un traumatismo, ha estado presente, de una manera o de otra, en mi trabajo.”

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2 Responses to “¿DE DÓNDE ERES? (4)”

  1. Mona Hatoum espectacular su Obra Felicitaciones .
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  2. London Calling, logra canalizar su marginalidad por medio de la música
    Bora Hatiim, hace una interpretación del mundo , en cada lugar que estuvo, a mi criterio verídico, realista que en mi caso personal siento como propio, como parte de un mundo de contradicciones, tensiones geopolíticas, estéticas diversas,vulnerabilidad del individuo frente a la potencia inherente de las estructuras institucionales, vulnerabilidad frente a la violencia, EL trabajo de esta artista es digno de ser leído por la mayor cantidad de seres humanos frente al mundo actual.

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